Sul muro di un palcoscenico una mano anonima ha scritto 'qui si dicono per gioco le cose serie'

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Divini e Maestri - B/1




Divini e Maestri (B/1)
I video/filmati, salvo indicazione diverse, sono presentati in italiano.



Joan BAEZ  Cantautrice/Folksinger  [Profilo] [Sito Joan Baez]

'BLOWING IN THE WIND'  Rif. www.youtube.com/watch?v=DFvkhzkS4bw

Altri Video
  • 'There but for Fortune' 1965 testo P. Ochs - Show me the prisoner, whose life has gone stale | And I'll show you a young man | With so many reasons why | And there but for fortune, go you or I......mm.mm | Show me the alley, show me the train | Show me the hobo, who sleeps out in the rain | And I'll show you a young man  | With so many reasons why | And there but for fortune ,go you or I, mm.mm | Show me the whiskey, stains on the floor | Show me the drunkard, as he stumbles out the door  | And I'll show you a young man | With so many reasons why  |  And there but for fortune go you or I, mmm,mm Show me the country, where the bombs had to fall | Show me the ruins of the buildings, once so tall | And I'll show you a young land With so many reasons why | And there but for fortune go you and I, you and I.
  • 'C'era un ragazzo che come me amava i Beatles e i Rolling Stones' 1967  (sonoro) - Testo Franco Migliacci - M.Lusini   C'era un ragazzo / che come me amava i Beatles  | e i Rolling Stones | girava il mondo, veniva da | gli Stati Uniti d'America |  Non era bello | ma accanto a sé aveva mille donne se | cantava «Help» e «Ticket to ride» | o «Lady Jane» o «Yesterday». |  Cantava «Viva la libertà» ma | ricevette una lettera, | la sua chitarra mi regalò | fu richiamato in America. | Stop! coi Rolling Stones! | Stop! coi Beatles. Stop! | Gli han detto vai nel Vietnam  | e spara ai Vietcong...| Ta ta ta ta ta... | C'era un ragazzo | che come me amava i Beatles | e i Rolling Stones  | girava il mondo, ma poi finì | a far la guerra nel Vietnam. | Capelli lunghi non porta più, | non suona la chitarra ma | uno strumento che sempre dà | la stessa nota ratatata. | Non ha più amici, non ha più fans, | vede la gente cadere giù: | nel suo paese non tornerà | adesso è morto nel Vietnam. | Stop! coi Rolling Stones! | Stop! coi Beatles. Stop! | Nel petto un cuore più non ha | ma due medaglie o tre...| Ta ta ta ta ta...
  • Programma TV 'Speciale per voi' 1969
  • 'Joe Hill' 1969 Testo A. Hayes, E. Robinson - I dreamed I saw Joe Hill last night, | Alive as you and me. | Says I "But Joe, you're ten years dead" | "I never died" said he, | "I never died" said he. | "The Copper Bosses killed you Joe, | They shot you Joe" says I. | "Takes more than guns to kill a man" | Says Joe "I didn't die" | Says Joe "I didn't die" |"In Salt Lake City, Joe," says I, / Him standing by my bed, / "They framed you on a murder charge," /Says Joe, "But I ain't dead," | Says Joe, "But I ain't dead." | And standing there as big as life | And smiling with his eyes. | Says Joe "What they can never kill | Went on to organize, | Went on to organize" | From San Diego up to Maine, | In every mine and mill, | Where working men defend their rights, | It's there you find Joe Hill, |  It's there you find Joe Hill! | I dreamed I saw Joe Hill last night, | Alive as you and me. | Says I "But Joe, you're ten years dead" | "I never died" said he, | "I never died" said he
  • 'Let il Be' 1971 Testo e musiche J. Lennon - P. McCartney -  When I find myself in times of trouble | Mother Mary comes to me | Speaking words of wisdom, let it be. | And in my hour of darkness | She is standing right in front of me | Speaking words of wisdom, let it be. | Let it be, let it be. | Let it be, let it be. | Whisper words of wisdom, let it be. | And when the broken hearted people | Living in the world agree, | There will be an answer, let it be. | For though they may be parted | There is still a chance that they will see | There will be an answer, let it be. | Let it be, let it be. Yeah / Let it be, let it be. | There will be an answer, let it be. | And when the night is cloudy, | There is still a light that shines on me, | Shines until tomorrow, let it be .|  I wake up to the sound of music |  Mother Mary sings to me | There will be no sorrow, let it be. / Let it be, let it be. | Let it be, let it be. | There will be no sorrow, let it be.| Let it be, let it be, | Let it be, let it be. | There will be no sorrow, let it be | . Let it be, let it be,|/ Let it be, let it be. | There will be no sorrow, let it be.
  • 'Sacco e Vanzetti' 1971 Musiche Ennio Morricone testo Joan Baez - Father, yes, I am a prisoner | Fear not to relay my crime | The crime is loving the forsaken | Only silence is shame | And now I'll tell you what's against us | An art that's lived for centuries | Go through the years and you will find  | What's blackened all of history | Against us is the law | With its immensity of strength and power | Against us is the law! | Police know how to make a man | A guilty or an innocent | Against us is the power of police! | The shameless lies that men have told | Will ever more be paid in gold | Against us is the power of the gold! | Against us is racial hatred | And the simple fact that we are poor | My father dear, I am a prisoner | Don't be ashamed to tell my crime | The crime of love and brotherhood | And only silence is shame | With me I have my love, my innocence, | The workers, and the poor  | For all of this I'm safe and strong | And hope is mine | Rebellion, revolution don't need dollars | They need this instead | Imagination, suffering, light and love | And care for every human being | You never steal, you never kill | You are a part of hope and life | The revolution goes from man to man | And heart to heart | And I sense when I look at the stars | That we are children of life | Death is small. 
  • 'La canzone di Marinella' 1984 - Joan Baez, ospite di Gianni Minà a 'Blitz' dedica questo tributo a Fabrizio De André. La cover in questione non risulta essere mai stata pubblicata su disco; questo video ne costituisce, quindi, l'unica e irripetibile testimonianza. Testo di Fabrizio De André - Questa di Marinella è la storia vera | che scivolò nel fiume a primavera | ma il vento che la vide così bella | dal fiume la portò sopra a una stella | sola senza il ricordo di un dolore | vivevi senza il sogno di un amore | ma un re senza corona e senza scorta | bussò tre volte un giorno alla sua porta | Bianco come la luna il suo cappello | come l'amore rosso il suo mantello | tu lo seguisti senza una ragione | come un ragazzo segue un aquilone | E c'era il sole e avevi gli occhi belli | lui ti baciò le labbra ed i capelli | c'era la luna e avevi gli occhi stanchi | lui pose la mano sui tuoi fianchi | Furono baci furono sorrisi | poi furono soltanto i fiordalisi | che videro con gli occhi delle stelle |  fremere al vento e ai baci la tua pelle | Dicono poi che mentre ritornavi | nel fiume chissà come scivolavi | e lui che non ti volle creder morta | bussò cent'anni ancora alla tua porta | Questa è la tua canzone Marinella | che sei volata in cielo su una stella | e come tutte le più belle cose | vivesti solo un giorno come le rose | e come tutte le più belle cose | vivesti solo un giorno come le rose
  • 'Joan Baez on Bob Dylan' 2005 (inglese) - Joan Baez parla del suo rapporto con Bob Dylan.
  •  
  • REGISTRAZIONI, INTERVISTE COMPLETE
  1. 'Joan Baez' 1965 - Full Concert
  2. 'Bob Costas interviews singing legend Joan Baez' 1993  (inglese - alla fine del video il linkalla seconda parte)
  3. 'Joan Baez portrait' 2009  (documentario BBC - inglese)




George BALANCHINE  Coreografo/Ballerino  [Profilo]



GEORGE BALANCHINE (inglese)  Rif.http://www.youtube.com/watch?v=n8izzN9xPmY
Altri Video
  1. 'Pas de Dix' 1955 - choreograhy George Balanchine music Alexander Glazunov's 'Raymonda' dancers: Maria Tallchief and Andre Eglevsky (TV Performance, 1957) (alla fine del video il link alla seconda parte)
  2. 'Coreografie Balanchine' (Хореография - Джордж Баланчин) 1977 - Dance in America - With members of The New York City Ballet • 'Tzigane' musica Maurice Ravel interpreti: Suzanne Farrell, Peter Martins • 'Andante dal Divertimento N. 15' musica Wolfgang Amadeus Mozart interpreti: Merrill Ashley, Maria Calegari, Susan Pillarre, Stephanie Saland, Marjorie Spohn, Tracy Bennett, Victor Gastelli, Robert Weiss • 'I Quattro Temperamenti' musica Paul Hindemith interpreti: Bart Cook, Adam Luders, Colleen Neary, Merrill Ashley, Daniel Deuel (alla fine del video i link alle altre 3 parti) 
  3. 'The Nutcracker' 1993 - by George Balanchine - New York City Ballet




Marco BALIANI  Autore/Regista/Attore  [Profilo]  [Sito Baliani 
'KOHLHAAS1990   Rif. www.youtube.com/watch?v=KcPZOt_M8zU
Altri Video
  • 'Pinocchio Nero' 2004 Quante volte capita di leggere un testo scoprendo che si rivela a noi con un messaggio diverso? Questo lavoro prende in considerazione proprio la rilettura di uno dei testi più celebri del panorama mondiale, "Le Avventure di un Burattino. Storia di Pinocchio". Il testo collodiano, che non ha mai smesso di affascinare i lettori, ha subìto numerosissimi processi di riscrittura, interpretazione, illustrazione, traduzione e trasposizione. Questa grande duttilità è dovuta principalmente alla capacità dell’opera di prestarsi al lettore, che la può interpretare e ricostruire a piacere. Esemplari sono le riscritture di Giorgio Manganelli, Luigi Comencini, Roberto Benigni, Saverio Marconi e non ultimo Marco Baliani.La ricerca qui pubblicata nasce da una grande passione per il teatro e per il volontariato nei confronti dei più piccoli, che mi ha portato ad approfondire una precedente attività di analisi di alcune riscritture. È stato dopo un lavoro di ricerca su alcuni musical, infatti, che Franco Nasi, docente all'università di Modena e Reggio Emilia, mi ha portato a conoscenza del “Pinocchio Nero” di Marco Baliani, opera teatrale vincitrice del premio Ubu 2005. Lo spettacolo narra il viaggio di venti ragazzi di strada nella loro trasformazione in membri attivi della società keniota. Nel 2002 Baliani prese parte ad un progetto finanziato da Amref Italia, l'African Medical and Research Foundation, con il quale si occupò del recupero sociale di alcuni ragazzi di strada di Nairobi. Tramite il progetto, il teatro non solo ha ridato la speranza a ragazzi di strada costretti a vivere nelle discariche cittadine come veri e propri rifiuti della società, ma anche a tutta la società di Nairobi, diventata conscia del fatto che, anche per i ragazzi di strada, è possibile un cambiamento in cittadini attivi e responsabili. Trasformazione che viene coronata dal possesso del passaporto e quindi dall’attribuzione di un nome. Marco Baliani, celebre autore e attore di opere afferenti al teatro di narrazione, nel rimettere in vita il testo collodiano ha permesso ad un gruppo di ragazzi emarginati dalla propria comunità di cominciare un viaggio alla ricerca della propria identità, delle proprie origini, dei propri genitori e parenti, facendoli rinascere dalla loro condizione marginale di ragazzi spazzatura (chokora). La loro ‘metamorfosi’ è avvenuta grazie alla messa in scena proprio di Pinocchio, anch’egli burattino ribelle ed emarginato.“Pinocchio Nero” è una rilettura che, nonostante la presenza di alcuni temi comuni col Pinocchio collodiano, come la povertà e la volontà di fuggire dalla propria condizione, seleziona solo una parte delle sequenze narrative dell’originale e le ricontestualizza in Kenya.
  • 'Incontro Marco Baliani e gli studenti del Master in Teatro Sociale e Comunità' 2006 (alla fine del video il link alla seconda parte)
  • 'In viaggio nella città' 2012 In viaggio nella città, con Marco Baliani. Un teatro fatto di brusio, movimento, passioni, strade, viaggi, migranti, nomadi, viandanti, residenti, mercati, spezie... (con la collaborazione di: Master in Teatro Sociale e di Comunità - Facoltà di Scienze della Formazione, Università di Torino -, Progetto Teatro Comunità - Settori Periferie, politiche Giovanili, Eventi Culturali, Città di Torino -, Comitato Progetto Porta Palazzo, The Gate)
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  • 'La pelle' 2008 (alla fine del video i link alle altre 2 parti) - da Retroscena - L'occasione dell'incontro con Marco Baliani è stata fornita dal lavoro prodotto dal Teatro Metastasio di Prato, "La pelle" , ispirato al capolavoro di Curzio Malaparte che ha visto Marco Baliani nel duplice ruolo di regista e interprete. Spettacolo visionario e lancinante che getta sale sulle ferite ancora aperte della guerra
  • Il Diario dei Teatri Dimenticati 2010 (documentario - alla fine del video il link alla seconda parte) - Un viaggio tra realtà e immaginazione nel ventre dei troppi teatri chiusi d'Italia. Ideato e recitato da Marco Baliani. Regia di Arrigo Benedetti Ciampi. Fotografia di Ugo Carlevaro. Musiche di Francesco de Luca & Alessandro Forti
  • Marco Baliani e i ragazzi di strada di Nairobi 2010  In questo estratto di "Scrittori per un anno", il programma di Rai Educational dedicato ai protagonisti della nostra letteratura, l'attore, drammaturgo e regista racconta la sua esperienza con i ragazzi di strada della capitale del Kenya coinvolti nel progetto "Children in need" di AMREF, da cui sono nati spettacoli teatrali di successo come "Pinocchio Nero" e "L'Amore Buono".
  • da Retroscena 2010 - Il mio Teatro (alla fine del video i link alle altre 5 parti) - 'La narrazione è antropologicamente iscritta nel nostro DNA'. Esordisce così l'ospite della ventesima puntata di Retroscena, poeta in viaggio, l'affabulatore che affascina e incanta, il narratore che ha cavalcato per anni in groppa a una sedia, l'artista nomade e che non ha e non vuole avere legami con istituzioni e teatri stabili: Marco Baliani.
  • da Retroscena - Marco Baliani e il Signor Bonaventura 2010 (alla fine del video i link alle altre 3 parti) - Michele Sciancalepore ha incontrato uno degli artisti in grado di coniugare l'arte con la verità e l'umanità e di creare sempre con i suoi collaboratori un"gruppo d'ascolto": Marco Baliani. Insieme a lui sei attori professionisti affiancati da due ragazzi disabili provenienti dal Laboratorio Integrato Piero Gabrielli, protagonisti dello spettacolo "Qui si comincia la sventura del Signor Bonaventura"
  • da Retroscena - La Repubblica di un solo giorno 2011 (alla fine del video i link alle altre 3 parti) - "Retroscena" dedica un'intera puntata a due grandi artisti uniti da un progetto comune e una profonda sintonia: Marco Baliani e Ugo Riccarelli che insieme hanno scritto "La Repubblica di un solo giorno", un'originale produzione all'interno del progetto Fratelli di Storia per i centocinquanta anni della Repubblica Italiana. Dopo aver portato in scena Antonio Tabucchi con Piazza d'Italia, Baliani rimane nella sfera del teatro politico e sociale, dirigendo, appunto, Lo spettacolo, di cui Retroscena propone un montaggio emotivo, e un ricco reportage che svela i metodi lavorativi e le tecniche registiche di Baliani.

  • REGISTRAZIONI COMPLETE
  1. 'Kohlhaas' 2006 - di Marco Baliani e Remo Rostagno con Marco Baliani (riprese da spettacolo - alla fine del video il link alla seconda parte) - Monologo tratto dal Michael Kohlhaas di Heinrich von Kleist 
  2. 'Una notte nel bosco degli spiriti' 2012 (alla fine del video i link alle altre 3 parti) - Wole Soyinka - Viaggio tra scrittura, oralità e memorie personali dell'Africa Conferenza-spettacolo di Marco Baliani per Thesis/Dedicafestival
Informazioni da Archivio LePera


Eugenio BARBA  Regista   [Profilo]   [Sito Odin Teatret]

'ANDERSEN'S DREAM' 2004 (danese?)    Rif. www.youtube.com/watch?v=qEWBgFaLePA

 

Jean-Louis BARREAU  Regista/Attore/Mimo  [Profilo]



 'Libertédi Paul Eluard  Rif.http://www.youtube.com/watch?v=bktcB5QpNp0
Altri Video
  • 'Les Enfants du Paradis' 1945un film de Marcel Carné  Il film riesce ad affascinare per il senso della narrazione, per l'abilità con cui vengono intrecciati figure e avvenimenti, per la cura posta nell'inquadratura e nella fotografia e soprattutto per la bravura degli attori, da Jean-Luis Barrault, a Pierre Brasseur,  da Arletty a Maria Casarès, da Marcel Herrand a Gaston Modot. Les enfants du paradis segna l'apice della collaborazione artistica fra Carné e lo sceneggiatore- poeta Jacques Prévert. Nel 1971 fu definito, durante la cerimonia dei César «il miglior film nella storia del cinema sonoro francese»
  • 'Les Paravents' 1961de Jean Genet  Les Paravents, testo del 1958, pubblicato in Francia nel 1961, è l’ultima opera teatrale scritta da Jean Genet. Un’opera rivoluzionaria ed emblematica a cui forse in Italia non è stata ancora data la dovuta risonanza. Si tratta di una pièce con novantasei personaggi, un allestimento scenico complicato, scene simultanee di azione, la rappresentazione di un territorio di guerra, la compresenza finale di un mondo dei vivi e di un mondo dei morti. Per questi motivi, e altri meno apparenti, la pièce contiene in sé la difficoltà di lettura e di rappresentazione. Il tema è politico, l’occasione e il riferimento principale sono la rivolta d’Algeria, ma il senso è metafisico: esaltare la ribellione continua e essere contro ogni ordine, anche se nato dalla rivoluzione. Il dramma si svolge 'in un campo in cui la morale è sostituita dall’estetica della scena' e non prevede né auspica nessun tipo di ideologia che sappia dare ragione o torto. È un tipo di opera che si pone come una cerimonia unica e irripetibile, tale da sradicare l’uomo dalle convenzioni, dalle abitudini regolamentari e regolamentate e ricongiungerlo al profondo del suo essere, all’origine e alla morte. “Se realizzerete I Paraventi”, scrive Genet a Roger Blin, 'dovete andare sempre nella direzione della festa unica e sino in fondo. Tutto deve convergere verso un unico scopo: infrangere la barriera che ci separa dai morti'.
  • Jean-Louis Barrault 1979 - Centenaire 1910-2010 - Entretien inédit (alla fine del video il link alle altre 5 parti)

  • FILM COMPLETI
  1. 'Jenny1936 - regia Marcel Carnè con: Albert Préjean - Charles Vanel - Francoise Rosay - Jean-Louis Barrault - Lisette Lanvin - Robert Le Vigan - Roland Toutain - Sylvia Bataille (francese) - Dal romanzo Prison de velours di Pierre Rocher. Rientrata a Parigi, Danielle (Lanvin) scopre che sua madre Jenny (Rosay) dirige un equivoco locale notturno dove conosce Lucien (Préjean) che ne è il giovane amante. Ignari della reciproca posizione, i due s'innamorano. Jenny si mette da parte. 1 film a soggetto di Carné e inizio della sua collaborazione con Jacques Prévert sotto l'egida di Jacques Feyder, marito di F. Rosay, del quale era stato assistente. "Personaggi superficialmente buffi al servizio di un melodramma infarcito di luoghi comuni" (Jean Queval). Ma quasi tutti i temi e i tipi dei film di Carné-Prévert a venire sono prefigurati. E una perla: la passeggiata all'alba di Danielle e Lucien lungo il canale dell'Ourcq.


Cesco BASEGGIO  Attore  [Profilo]

'I Rusteghi' 1964  (alla fine del video il link alle altre 2 parti) - Rif.http://www.youtube.com/watch?v=r77zwAfrwMM&list=PL48818C35F6A19A4F

REGISTRAZIONI COMPLETE
  1. 'Quello Bonanima' 1958 - di Ugo Palmerini diretto da Ugo Palmerini con: Gilberto Govi, Anna Caroli, Anna Bolens, Luigi Dameri, Sergio Fosco, Nelda Meroni, Jole lorena, Enrico Ardizzone, Pina Camera
  2. 'Un curioso accidente' 1961 - di Carlo Goldoni regia Cesco Baseggio con: Cesco Baseggio, Luisa Baseggio, Giorgio Gusso, Franco Micheluzzi, Gabriella Poli, Carla Foscari, Carlo Micheluzzi 
  3. 'I Rusteghi' 1964 - di Carlo Goldoni regia teatrale Cesco Baseggio regia televisiva Italo Alfaro cast: Cesco Basaggio, Toni Barpi, Wanda Benedetti, Giorgio Gusso, Walter Ravasini, Milena Capodaglio, Gianna Raffaelli, Carla Foscri, Emilio Rossello, Willy Moser
  4. 'La famegia del santolo' 1966 - di Giacinto Gallina regia Carlo Lodovici interpreti: Cesarina Gheraldi, Cesco Baseggio, Carlo Romano, Adriana Vianello, Marina Dolfin, Walter Ravasini, Lidia Cosma, Mario Bardella, Wanda Benedetti, Toni Barpi
  5. 'Tramonto1966 - di Renato Simoni regia Cesco Baseggio e Italo Alfaro interpreti: Cesco Baseggio, Wanda Capodaglio, Wanda Benedetti, Nando Tomei, Giorgio Gusso, Willy Moser, Gino Cavalieri, Toni Barpi, Walter Ravasini, Luciana Luppi, Carmela Rossato, Enrico Partilora, Alessandro Marchetti  Trama: Il conte Cesare è sindaco di un paese del Veneto, autoritario ed egoista in casa come fuori. La sua volontà è la sola che conti, per cui le sue decisioni non ammettono obiezioni di sorta. Si sente superiore in tutto, anche nell'ambito della morale, motivo per cui rifiuta al povero Marasca il posto di maestro comunale, perché colpevole di aver tollerato troppo a lungo in casa la moglie adultera prima di scacciarla. Allora questi gli rivela che anche lui, vent'anni prima...
  6. 'Il bugiardo' 1968 - di Carlo Goldoni con: Paola Quattrini, Aldo Giuffre', Cesco Baseggio, Mario Pisu, Marzia Ubaldi
  7. 'Sior Todaro Brontolon' 1969 - di Carlo Goldoni con: Mario Maranzana, Cesco Baseggio, Elsa Vazzoler, Lina Volonghi, Gianna Raffaelli, Mario Bardelli, Willi Moser, Grazia Maria Spina, Dario Mazzoli, Gino Cavalieri, Mario Stegher (alla fine del video il link alla seconda parte)



Lucio BATTISTI  Musicista/Cantante  [Profilo]
                

'EMOZIONI'  (alla fine del video i link alle altre 3 parti) Rif. www.youtube.com/watch?v=dFrsCC4xwdQ
Altri Video



Pina BAUSCH  Coreografa/Ballerina  [Profilo] [Tanztheater Wupperta]
'CAFE MULLER'  Rif. www.youtube.com/watch?v=uL31OTG7Io4
Altri Video
  • 'La sagra della primavera' 1975 - musiche Igor' Stravinsky coreografie Pina Bausch  Pina Bausch monta la sua versione della “Sagra della primavera” di Igor Stravinskij, banco di prova per alcuni tra i massimi coreografi del '900, tra cui Maurice Béjart, Martha Graham e Vaslav Nijinsky, autore della discussa prima rappresentazione nel 1913 al Théâtre des Champs-Elysées di Parigi. La rivisitazione dell'artista tedesca non è mai uscita dal repertorio della Tanztheater Wuppertal, la compagnia da lei fondata nel 1973. Trenta ballerini, quindici uomini e quindici donne, gli uni a torso nudo, le altre in vesti leggere, danzano su un palco coperto di argilla: un rito asciutto e violento per la designazione della fanciulla destinata al sacrificio propiziatorio. Già in questo lavoro si possono scorgere le radici più profonde del rivoluzionario linguaggio dell'autrice, che, nel 1978, crea “Café Müller”, forse il suo lavoro più autobiografico e noto. Questo “pezzo” della Bausch è tuttora un vero manifesto per artisti del teatro e della danza, una creazione nata su musiche di Henry Purcell. La coreografa lo definì un "lamento d'amore", una poetica metafora della difficoltà di un contatto autentico tra gli esseri umani.
  • 'Cafe Muller' 1978 - di e con Pina Bausch Café Müller è il lavoro più autobiografico e noto di Pina Bausch. È stato un vero manifesto per generazioni di artisti del teatro e della danza, e non a caso è l'unico in cui la stessa Pina sceglie di danzare in scena. L'azione si svolge in un oscuro caffè della memoria, affollato da sedie vuote e percorso solo da sei personaggi, danzanti al suono delle arie di Henry Purcell. Come lo ha definito la stessa Bausch, questo pezzo breve e fulminante è un "lamento d'amore": una metafora, traslata nel respiro dei corpi, dell'impossibilità di un contatto autentico con l'altro. Ma è anche la dichiarazione, concentrata e lancinante, di quella particolare tensione di ricerca che a fine anni Settanta produrrà la rivoluzione scenica del Tanztheater.
  • 'Cafe MullerFinal
  • '1980 - A piece by Pina Bausch' (inglese) - A short clip from the Pina Bausch production entitled "1980" which was filmed at the Sadlers Wells Theatre in London. (Una breve clip dalla produzione di Pina Bausch girata presso il Sadlers Wells Theatre di Londra)
  • 'Palermo Palermo' 1989 Con Palermo Palermo, comincia a girare il mondo per ritrarre nelle sue pièces i vari Paesi, visti e vissuti "dal di dentro". Una grande fonte di ispirazione e maturazione le arriva dal contatto con l'India, dove c'è continuità tra tradizione e contemporaneità: non viene messo in discussione il Principio da cui la danza trae origine e il fatto che tali archetipi e simboli sacri siano patrimonio comune di spettatori ed artisti crea tra loro una profonda connessione. Pina fa così un viaggio verso le origini, rivolgendo l'osservazione al 'centro', cercando l'essenzialità del gesto, mettendo a nudo la brutalità della società attuale, la carenza d'amore ed il proliferare della violenza, e contrapponendovi le delizie del corpo e dell'anima, il calore dell'infanzia perduta.
  • 'Questo non ha fermato la mia danza' (Das hat nicht aufgehört, mein Tanzen) 1994 Pina Bausch in una conversazione con Eva-Elisabeth Fischer. Scritto e diretto da Eva-Elisabeth Fischer e Frieder Kasmann. Contiene una lunga intervista del 1992 a Venezia. Pina Bausch parla di sé come ballerina e coreografa. Registrazioni da "1980", "Viktor" e "Tragedia".
  • 'Das Tanztheater der Pina Bausch' (Il Teatro Danza di Pina Bausch) 1998 - regie Christiane Gibiec - WDR  (tedesco) - Dokumentiert wird die Arbeit zu dem Stück „Der Fensterputzer" bei Proben in Hongkong. Anlässlich des 25-jährigen Bühnenjubiläums werden auch Ausschnitte gezeigt u.a. aus den Stücken Fritz (1974), Le sacre du printemps (1975), Komm, tanz mit mir (1977), Café Müller (1978), Walzer (1982), Danzón (1995), Nur du (1996).
  • The artistic documentary 'Coffee with Pina' 2006 - by Lee Yanor (inglese)
  • Wim Wenders parla del film 'Pina' 2011 - della tecnologia 3D, della danza, della pittura e della musica. L'intervista è stata realizzata dai redattori della rivista di cinema Celluloide (tedesco)
  • Alcune scene del film 'Pina' di Wim Wenders 2012 - 'Trailer'  'L'amore'  'Senza peso'  'L'apparenza inganna'  'Fiducia'  'Piramide di sedie'  'Lutz Förster' Curiosa sequenza dell'allestimento del set  - Pina è un film per Pina Bausch di Wim Wenders. Il regista ci guida in un viaggio sensuale e di grande impatto visivo, seguendo gli artisti della leggendaria compagnia Tanztheater Wuppertal sulla scena e fuori, nella città di Wuppertal, il luogo che per 35 anni è stato la casa e il cuore della creatività di Pina Bausch.
  • 'Pina Bausch movie presentation Oakland University' 2012 - Created by Taylor Jayne Thompson for a Contemporary Dance History Class at Oakland University  (inglese)

  • REGISTRAZIONI E PROGRAMMI TV COMPLETI
  1. 'Barbebleue' 1977 (alla fine del video il link alle altre 11 parti) - In Barbablù, liberamente ispirato all'opera di Béla Bartók Castello di Barbablù, Pina Bausch escogita una vera tragedia moderna, in un ambiente unico che simboleggia un luogo intrappolato e pieno di dolore. Esprime la difficoltà del rapporto a due, attraverso un flusso continuo di situazioni drammatiche che si scontrano contro il muro della solitudine.
  2. 'La denuncia di un'imperatrice' (The Complaint of an Empress / Die Klage der Kaiserin) 1990 - di Pina Bausch  Questo raro film raro è il solo ha diretto da Pina Bausch. 'La Denuncia di un'imperatrice'  è stato prodotto tra ottobre 1987 e aprile 1989. Il quadro generale è impostato dal mutare delle stagioni - autunno, inverno e primavera. La struttura interna del film riflette il metodo di lavoro sviluppato con il Teatro Danza di Wuppertal di Pina Bausch. Il film non racconta una storia, ma è composto da varie scene messe insieme come un collage e rispecchia certi stati d'animo e invocando diverse associazioni. È un film formato da brevi 'scene', alcune assurde, ambientate in luoghi diversi, come i boschi e i campi vicino a Wuppertal, il centro della città, la ferrovia sospesa, un negozio di tappeti, una serra e la sala prove di un ex cinema (di Wuppertal "Lichtburg").
  3. 'Lissabon Wuppertal Lisboa' 1998 (portoghese con sottotitoli spagnolo - alla fine del video il link alle altre 3 parti) - Lisbona città aperta, luminosa e calda accoglie Pina Bausch e la sua compagnia il Tanztheater Wuppertal. 
  4. 'Orfeu e Eurídice' 2008 - musica di Cristoph Willibald Gluck coreografia Pina Bausch Corpo di Ballo dell'Ópera Nacional di Parigio - Palácio Garnier  
  5. 'Femina' 2009 - di Pina Bausch con John Zorn
  6. 'Dear Pina' (Cara Pina) 2012 - diretto da Lukas Huffman   Cara Pina è uno spettacolo di danza / teatro omaggio alla compianta coreografa tedesca Pina Bausch. Originariamente eseguita a Shelburne Farms Allevamento Barn nel mese di giugno 2012. Per oltre sei notti ha visto il tutto esaurito.                                                        
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  1. Autore
  2. Regia


Julian BECK   Regista/Attore  [Profilo]   [Sito Living Theatre]                                                           Judith MALINA   Regista/Attrice   [Profilo]
 'THE LIVING TEATRE'  1975   Rif. www.youtube.com/watch?v=BXKBuTyTY9g
Altri Video
  • 'Emergency' 1968
  • 'Paradise Now' 1969 Si tratta di uno spettacolo dalla gestazione molto complessa, poiché frutto dello scontro tra il processo di "deteatralizzazione teatrale" e le circostanze sociopolitiche del periodo in cui è stato scritto, cioè quello del Sessantotto. La realizzazione di Paradise Now è iniziata nel 1967 a Cefalù e si è articolata in tre fasi: 
    • Prima fase. L'intento del Living è la creazione di uno spettacolo che «fosse un'esplosione di felicità e di ottimismo rivoluzionario». Dopo una serie di spettacoli pessimisti sul mondo, Beck e Malina vogliono far capire che il cambiamento è possibile, secondo lo spirito dei tempi. La metafora individuata dal gruppo è quella del viaggio, concepito secondo la visione chassidica della vita (rappresentata come una scala di dieci pioli che congiunge la terra e il cielo) dietro l'interpretazione di Martin Buber e del suo viaggio ascensionale verso la rivoluzione permanente. Ognuno dei dieci pioli, secondo il testo del Living, è composto da un "Rito" («rituali-cerimonie fisico-spirituali che culminano in un flashout» e che rimangono interni agli attori), da una "Visione" (immagini, sogni e simboli originati dagli attori per coinvolgere gli spettatori secondo un processo verticale) e da una "Azione" (condizioni politiche recitate sia dagli attori che dagli spettatori, secondo un processo orizzontale).
    • Seconda fase. Il progetto originario era stato redatto in una condizione di isolamento in Sicilia. Recandosi a Parigi proprio durante il Maggio francese, il Living si trova coinvolto nelle giornate di insurrezione e vi partecipa in primo piano, redigendo anche unaDichiarazione per l'occupazione dell'Odéon. L'esperienza influenza le successive prove di Paradise Now, che per contratto doveva essere rappresentato al Festival di Avignone: Beck e Malina rendono lo spettacolo meno mistico e più politico, coinvolgendo centinaia di persone alle prove («studenti, artisti, hippies, vagabondi, fumatori di canapa indiana, anarchici e protestatari di tutte le razze» e attirandosi l'ostilità delle autorità e della popolazione contraria all'ideologia sessantottina. Ne deriva una violenta campagna di stampa contro il Living, che si trova in mezzo tra il favore del pubblico e l'astio della direzione del festival. Lo spettacolo va in scena il 23 luglio 1968, con un finale vivace che se la prende contro la borghesia e la stessa direzione artistica. I primi tre giorni di repliche vengono tollerati dalle autorità, ma il quarto giorno al Living viene recapitato un divieto di rappresentazione per motivi di ordine pubblico. La direzione del festival propone ai Beck di sostituire Paradise Now con Antigone, ma i coniugi non accettano e abbandonano Avignone lasciando una dura dichiarazione scritta:
    « Il Living ha deciso di ritirarsi dal Festival di Avignone [...] perché [...] non si può recitare Antigone (in cui una ragazza rifiuta di obbedire agli ordini arbitrari dello stato e compie un atto santo) e nello stesso tempo sostituire Antigone a uno spettacolo proibito. [...]
    Perché è venuto il momento di liberare l'arte e di farla uscire dal tempo dell'umiliazione e dello sfruttamento [...]  Perché la nostra arte non può essere messa più oltre al servizio di autorità i cui atti contraddicono assolutamente quello in cui noi crediamo»
    La straordinaria partecipazione del pubblico a questo spettacolo rimane tuttavia un evento circoscritto al clima eccezionale che ha caratterizzato questo festival. Le rappresentazioni successive di Paradise Now rimangono infatti passive e verticali, non riuscendo ad attuare quel coinvolgimento predicato dai Beck.
    • Terza fase. Le contraddizioni del Living, indeciso tra la permanenza all'interno della rappresentazione teatrale e la definitiva uscita da essa a favore di un'attività politica diretta, esplodono proprio con Paradise Now. L'ultima versione dello spettacolo, risalente all'autunno del 1969 dopo un breve ritorno negli Stati Uniti, risulta non convincente proprio a causa di questa spaccatura. Il gruppo arriva così alla scissione:
    « L'11 gennaio 1970, dopo l'ultima rappresentazione di Paradise Now nel Palazzo dello Sport di Berlino, davanti a settemila persone, il Living rende pubblica e operativa la decisione di scioglersi in più gruppi, quattro per l'esattezza, che era già stata presa da alcuni mesi e che probabilmente era maturata in seguito al traumatico impatto con la nuova situazione americana tra il settembre 1968 e l'aprile 1969. »
    Infatti, il ritorno del Living negli Stati Uniti era già avvenuto nel 1968, nel pieno periodo della contestazione. Qui la compagnia aveva trovato un paese diverso: nonostante il buon accoglimento del pubblico, i coniugi Beck e i loro collaboratori ritenevano di essere diventati una sorta di istituzione per il movimento di contestazione. Inoltre, l'élite intellettuale sessantottina accusava il Living sui giornali statunitensi di predicare la rivoluzione senza praticarla. Questo difficile impatto con la nuova realtà americana ha giocato un ruolo determinante per lo scioglimento del Living.
  • Act 2 'Retching the Past' 1975
  • Gerald Thomas interviews Judith Malina (inglese alla fine del video il link alla 2° parte)
  • Judith Malina - Airdate - 2010
  • Judith Malina and the Living Theater's

  • FILM COMPLETI
  1. 'Radio Days' 1987 - regia Woody Allen soggetto Woody Allen sceneggiatura Woody Allen produttore Robert Greenhut interpreti: Danny Aiello, Woody Allen, Leah Carrey, Jeff Daniels, Larry David, Mia Farrow, Seth Green, Paul Herman, Julie Kavner, Diane Keaton, Judith Malina, William Magerman, Kenneth Mars, Josh Mostel, Tony Roberts, Rebecca Schaeffer, Mike Starr, Michael Tucker, Dianne Wiest, Kenneth Welsh (inglese) - Il narratore Woody Allen racconta di come la radio influenzò la sua infanzia in quel periodo prima della diffusione della TV. Nella New York City degli ultimi anni trenta fino alla New Year del 1943, il racconto mischia le esperienze del narratore con gli aneddoti contemporanei e le leggende urbane delle celebrità della radio.Nonostante la famiglia ebrea del narratore conduca una vita modesta nella zona residenziale di Queens, a Rockaway Beach, ogni membro trova negli show della radio una fuga dalla realtà, sia ascoltando i gossip sulle celebrità, leggende dello sport, letture di romanzi celebri, canzoni, etc. Per il giovane ragazzo, questi racconti di avventura (uno di questi ispirati dal personaggio The Shadow, Il vendicatore mascherato) lo ispirano così inizia a sognare ad occhi aperti su un'avvenente sostituzione del suo insegnante, su stelle del cinema e sulla Seconda guerra mondiale. Nel frattempo viene raccontata la storia di un'aspirante stella della radio (Mia Farrow), insieme a quella della zia del narratore, Bea (Dianne Wiest), in cerca di marito.

Informazioni da Archivio LePera
  1. Autore  Beck
  2. Regia
  3. Attore 
  4. Regia  Malina
  5. Attrice



Samuel BECKETT  Drammaturgo/Scrittore  [Profilo] [Sito italiano di Samuel Beckett - Beckett Circle Beckett La Maison Roussillon]

'BECKETT SPEAKS' (inglese)  Rif. www.youtube.com/watch?v=1ohAssRQsjM
Altri Video
  1. 'Film' 1964 - di Samuel Beckett directed Alan Schneider con Buster Keaton Interpretato dal 70enne Buster Keaton, un anno prima della morte, completamente muto, tolto uno "Shhh" all'inizio. È una sorta di allegoria della morte col protagonista, quasi sempre ripreso di spalle, che cerca di sottrarsi all'occhio della cinepresa. Il titolo significa, per astrazione, scorrimento, scivolamento, un moto fisico verso la degradazione, la distruzione, la morte. Nell'ultima immagine si vede finalmente il volto di Keaton irrigidito in una smorfia (uno sberleffo?) come dire che la vacuità dell'esistenza non sopporta l'idea della morte. "Atmosfera del film: comica e irreale. Keaton dovrebbe spingere al riso col suo modo di muoversi". 
  2. 'Eh Joe' 1965 - di Samuel Beckett - a piece for television (inglese - alla fine del video i link alle altre 2 parti)  - Eh Joe è un dramma scritto per la televisione. È il primo lavoro in cui Beckett si confronta con il mezzo televisivo.
  3. 'Footfalls' (Passi) 1975 - di Samuel BeckettThis version features Billie Whitelaw as May, and Christine Collins as Voice  (inglese alla fine del video i link alle altre 2 parti)Passi (Footfalls) è un dramma che Beckett iniziò a scrivere e lavorare nel 1975, mentre dirigeva Aspettando Godot a BerlinoLa prima assoluta di Passi andò in scena nel maggio del 1976 a Londra durante il festival organizzato per i settant'anni di Beckett. La prima italiana, diretta da Romolo Valli e interpretata da Luisa Rossi andò in scena nel luglio del 1977 al XX Festival di Spoleto. a La pièce, che dura solamente 15 minuti, fu concepita per essere un meccanismo basato su una sincronia di suoni, luci, movimento e parole, il tutto diviso in tre parti ideali, scandite dalla musicalità del dramma, musicalità messa in risalto, nel testo originale, da accorgimenti ritmici come allitterazioni e ripetizioni.
  4. 'Endgame' (Finale di partita) 1985 - Beckett Directs Beckett -  ultimo capitolo del sodalizio tra Samuel Beckett e Rick Cluchey, un ex ergastolano, divenuto attore, autore, regista e la sua compagnia San Quentin Drama Workshop (inglese) - Il titolo è ispirato al modo in cui viene chiamata l'ultima parte di una partita a scacchi, quando sulla scacchiera non sono rimasti che pochissimi pezzi. Beckett era famoso per essere un appassionato di questo gioco ed il rifiuto di Hamm di accettare la fine imminente può essere paragonato a quello dei giocatori dilettanti che continuano a giocare non accorgendosi dell’inevitabile sconfitta, mentre i professionisti, di fronte ad una chiara situazione di svantaggio, sono soliti arrendersi abbandonando la partita. I personaggi dell’opera vivono una situazione statica ed immutabile: ogni giorno è uguale a sé stesso, fino a che ciascun gesto e ciascun avvenimento assume un aspetto quasi rituale. Tra le righe del testo traspare chiaramente che i personaggi, nonostante la situazione assurda e fuori dal tempo in cui si trovano, hanno avuto una storia. Tuttavia nessuna indicazione fa pensare che essi abbiano un futuro. Persino la morte di Nell, che avviene nella parte finale dell’opera, viene accolta come assolutamente normale e non provoca alcuna sorpresa. La situazione di isolamento e i costanti riferimenti agli aspetti di una civiltà che non esiste più, hanno fatto supporre a molti che Finale di partita sia ambientato in un’epoca successiva ad un disastro nucleare.
  5. 'Waiting for Godot' (Aspettando Godot) 1988 - Beckett Directs Beckett - Performance of The San Quentin Drama Workshop  (inglese alla fine del video il link alla seconda parte) - En attendant Godot fu scritto tra l'ottobre del 1948 e il gennaio del 1949. La situazione drammatica è semplice. due uomini aspettano in due differenti periodi di tempo accanto ad un albero scheletrico qualcuno chiamato Godot che, sperano, arriverà a salvarli. Altri due uomini arrivano e rimangono per un pò di tempo. Ma colui che stanno aspettando non arriva. La concezione visuale di questo nuovo dramma fu ispirata, per ammissione dello stesso Beckett, da un quadro di Caspar David Friedrich. L'ispirazione è particolarmente esplicita nelle due scene alla luce della luna con cui si chiudono entrambi gli atti, nelle quali le due figure di Vladimiro e Astragone, guardano accanto all'albero la luna che sorge, si stagliano come delle silhouettes contro il cielo notturno. (...) La situazione base dell'opera deve molto al modo di concepire il teatro da parte di Beckett, e forse molto alla sua stessa vita. Aspettare che qualcuno arrivi o che accada qualcosa che possa cambiare gli eventi è stato spesso un elemento chiave della storia del dramma moderno. Sogno di Strindberg, Al pozzo del falco di W, B, Yeates, I ciechi di Maeterlink sono tre esempi di opere teatrali di questo tipo che Beckett conosceva. Alla fine di solito arriva qualcuno o succede qualcosa che cambia la situazione, sebbene spesso non è nella direzione che credeva o sperava il personaggio. Ma Beckett utilizzò il fatto fondamentale che "tutto il teatro è un aspettare" per creare una situazione in cui la noia e la fuga dalla noia siano elementi chiave nel preservare una particolare tensione drammatica. L'originalità di Aspettando Godot si trova nella concreta realtà del silenzio che in qualche modo deve essere riempito. Così i clown-vagabondi devono parlare, cambiarsi il cappello, mangiare carote, fare scherzi per "tenere in scacco il terribile silenzio". L'ispirazione per un simile uso del silenzio potrebbe provenire da un'istintiva risposta al teatro di Strindberg e Cechov, o da una meditazione filosofica su come si potesse rendere a teatro l'affermazione democritea secondo cui "niente è più reale del niente".  
  6. 'Krapp's Last Tape' (L'ultimo nastro di Krapp) 1990 - di Samuel Beckett directed Donald McWhinnie. From "A Wake for Sam: Tribute to Samuel Beckett" BBC broadcast (inglese - alla fine del video i link alle altre 3 parti) - Krapp, il protagonista dell'opera drammatica, utilizza come diario un vecchio registratore, in cui descrive le sue giornate, i pensieri e i desideri. L'atto unico ha inizio con il vecchio Krapp intento ad ascoltare una sua registrazione diaristica di trent'anni prima, dalla quale si evince l'entusiasmo che l'allora giovane clown aveva nei confronti della vita. Arrivato all'età anziana e sentendo prossima la morte, deride sé stesso per il futile tentativo di dare un senso alla propria esistenza, rivelatasi poi fallimentare.
  7. 'Finale di partita' (Endgame) 1995 - di Samuel Beckett regia Carlo Cecchi aiuto-regia Davide Iodice regia televisiva Mario Martone scene Francesco Rubechini Teatro Stabile di Firenze; scene e costumi Titina Maselli con: Carlo Cecchi, Valerio Binasco, Daniela Piperno, Arturo Cirillo  (alla fine del video i link per le altre 5 parti) 
  8. 'Waiting for Godot' (Aspettando Godot) 2001di Samuel Beckett director Michael Lindsay-Hogg (regia teatrale Walter Asmes per il The Gate Theatre di Dublino) (inglese - sottotitoli spagnolo)
  9. 'Krapp's Last Tape' 2006by Harold Pinter A Royal Court Theatre production, directed by Ian Rickson (inglese alla fine del video i link alle altre 4 parti)
  10. 'Commedia' 2006 - di Samuel Beckett (spagnolo - alla fine del video le altre 2 parti) - Comedia di Beckett riproduce un insolito "ménage à trois": tre esseri ai quali il tempo ha lasciato solo le teste, cercano invano di ricreare momenti perduti di una strana e antica relazione. Ciò che resta come residuo di questo passato sono solo parole, svuotate di significato. In scena, un tavolo con tre aperture dal quale spuntano solo le teste degli attori. La luce che li illumina, separatamente, ha la funzione di interrogatore esterno ed è la rappresentazione di qualcuno che obbliga gli altri a recitare: quando la luce si spegne gli attori sono solo macchie nel buio.
  11. 'Happy Days' 2012 - di Samuel Beckett regia Guido Ferrarini con: Shanna Zuckerman, Aldo Sassi. - Teatro Dehon Bologna (I) - video production Roberto Mioli (inglese alla fine del video i link alle altre 4 parti)
Note dell'Aspettando Godot da: 'Samuel Beckett - Una vita' di James Knowlson - Einaudi 2001





Maurice BEJART  Cantautore/Folksinger  [Profilo] [Bejart Battet Lousanne]



'BEJART + QUEEN'  Rif. www.youtube.com/watch?v=K5crrernfAY
Altri Video
  • 'Le Sacre du Printemps1970 (alla fine del video il link alle altre 2 parti)
  • 'Notre Faust' 1975 Coreografia: Maurice Béjart variazioni su un tema di Goethe musica: Johann Sebastian Bach (Messa in B), tanghi argentini testi: Johann W. Goethe e Maurice Béjart scene e costumi: Thierry Bosquet - Balletto del Novecento: solisti: Jorge Donn, Pie Bertrand, Patrice Touron, Yann Le Gac, Monet Robier, Mirk Shonach, Maguy Marin, Maurice Béjart, Rita Poelvoorde 

  • FILM E REGISTRAZIONI COMPLETE
  1. 'Bolero' 1961 La versione più famosa del Bolero è comunque quella coreografata da Maurice Béjart per il suo Ballet du XXème Sieclerappresentata il 10 gennaio 1961 al Théâtre Royale de la Monnaie di Bruxelles, protagonista Dufka Sifnios, balletto disegnato sulla personalità di questa danzatrice. Un gruppo di ragazzi stanno tutti intorno al tavolo sul quale la protagonista balla, dapprima immobili, poi incitati ed eccitati dal ritmo crescente, sino al parossismo finale. Da allora, il Bolero di Béjart-Ravel è stato visto molte volte in Italia anche nell'esecuzione di altre compagnie. Ricordiamo le recite all'Arena di Verona nel 1977 (con la compagnia di Béjart al gran completo rinforzata da nostri elementi, fra cui Carla Fracci) e alla Scala, con Luciana Savignano alla quale la parte si adatta a meraviglia. Contrariamente alle versioni precedentemente citate, nelle quali si rimaneva più o meno fedeli ai principi della prima concezione, che vedeva tutto come gioco ambientale, il Bolero béjartiano, come del resto quello millossiano, è volto all'astratto. Con il passare degli anni è stata abbandonata l'illustrazione oleografica di un ambiente per orientarsi sempre più verso una conflittualità di posizioni e, al tempo stesso, di travaglio drammatico scartando gli elementi pittorici al pari di quelli letterari. L'ossessivo plié della ballerina è non solo punteggiatura del ritmo raveliano, ma elemento conduttore del rito e del gioco sino all'incandescenza catartica. A misura che l'irradiazione dell'evolversi musicale aumenta, si compongono cerchi concentrici come emanazione diretta da un punto: quello della donna, illuminata nel centro della scena, come se da un sasso gettato nell'acqua dipartissero tanti circoli piccoli e poi sempre più grandi. Lo stesso coreografo ci descrive la sua opera: «Una melodia, simbolo femminile morbido e caldo, di una inevitabile unicità si avvolge senza posa su se stessa, un ritmo maschile che pur restando lo stesso va aumentando di volume e intensità, divora lo spazio inghiottendo infine la melodia». Scartato ogni carattere ispanico, Béjart ricusa il pittoresco folclorico e si comporta come fece in precedenza con la musica di Stravinski per le Sacre du printemps (Sagra della primavera). Ripiega sul suono fisico del crescendo musicale e gli applica sopra la spinta del desiderio sensuale. Così Béjart vuole «la donna inguainata da una calzamaglia color carne e nera, piedi nudi... gli uomini progressivamente esacerbati dal crescere del desiderio che li fa alzare dalle loro sedie pochi alla volta, prima quattro, poi otto... per andare incontro alla donna sino a gettarsi sulla tavola che toccano con le loro mani dilaniate dalla bramosia. Mentre la donna ondeggia, si piega in avanti, le braccia di volta in volta annodate e snodate come una sciarpa con la quale essa si vela e si svela, gli uomini martellano il suolo, gli avambracci portati avanti, le anche ondeggianti, essi intrecciano una farandola con ampi inginocchiamenti secondo il gusto greco turco».E tutto questo con una sobrietà quasi incredibile per un autore pleonastico come Béjart. Il rituale erotico si compie così in un'atmosfera quasi astratta. In varie riprese del Bolero Béjart affidò il ruolo principale a un interprete maschile (Jorge Donn, Charles Jude, Patrick Dupond, Jean-Pierre Franchetti e altri) lasciando inalterato il coro maschile, solo sporadicamente sostituito da uno femminile. Nel film  Bolero di Claude Lelouche (che qui presentiamo) viene usata la versione interamente maschile , con Jorge Donn protagonista. Ne derivano nuovi significati, altre possibilità, un'emotività diversa che non intaccano, e forse accrescono, il successo, sempre a livelli clamorosi.

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